Monoambiente
Alfredo Dufour (AR) / Curaduría: Cecilia Tello D’Elia (AR)
En cada espacio del Monoambiente hay un video. Entra al Monoambiente, se detiene en el estar, va a la cocina y luego a la habitación. Cada video visibiliza la carga afectiva del habitar. Camina, mientras va haciendo un detox de la euforia que trae de afuera. En los videos hay imágenes para observar sus pensamientos y sonido para percibir la vibración de su emoción. En los videos se ven y se escuchan sus pensamientos, mientras sobrevive en un solo espacio. Esos pensamientos silenciosos, veloces y constantes del cuarto propio. Esa sobrevivencia permanente, tortuosa e inevitable de uno con uno.
Solo videos: solo con videos, solo en videos, solo son videos.
Te invitamos a experimentar durante unos minutos la memoria caché de nuestra caricatura encerrada en su Monoambiente (físico y mental). C.T.D
Esta instalación está compuesta por videos animados con dibujos realizados en paint. En el piso de la sala aparece el plano de un monoambiente y en cada uno de estos espacios es proyectado un video.
www.alfredodufour89.wixsite.com /
Instagram @alfredodufour @cecitellodelia
La búsqueda del camino en tres actos
Teresa Puppo (UY)
Un trabajo con las leyendas forjadas sobre la indígena charrúa Micaela Guyunusa y su hija, desaparecida en Francia, en 1834. La obra propone la creación de una narrativa apócrifa y mantiene el enigma que rodea la figura de su hija desaparecida. Esta obra supone que Guyunusa no muere en Lyon, sino que huye con su hija del Hôtel Dieu y recorre el Ródano hacia su desembocadura en el Mediterráneo. Al llegar a la zona de La Camarga, una zona de Francia que es similar desde el punto de vista del paisaje a las costas de los ríos y arroyos que desembocan en el río Uruguay de donde era originaria Guyunusa, creyó que había llegado a su lugar. La historia sigue inconclusa y el enigma sobre su hija y su descendencia sigue vigente, como un abanico abierto a otras posibilidades, a otros supuestos. T.P.
- Vídeo en loop — Fílmico Súper 8 digitalizado — Audio digital: Antar Kuri — -Cámara: Alejandro O ́Neill y Teresa Puppo
Instagram @terepuppo @teresa.puppo
Para siempre y un día
Renata Cruz (BR)
Para siempre y un día es una instalación que consiste en dibujos de acuarela sobre papel, de elementos del cotidiano, realizados durante residencias artísticas en diversos lugares como Lisboa (Portugal), Aomori (Japón), Reserva Ducke (en la Floresta Amazónica), Casa Wabi (México), Paranabiacaba (en la Mata Atlántica), Igatú (Bahia) y también en las ciudades de San Pablo y Santos. Los dibujos dispuestos en el espacio buscan integrarse con la arquitectura a través de relaciones con las paredes, ventanas, escaleras, espacios cerca de los zócalos, techo, esquinas, en el suelo y otros espacios. Ellos traen imágenes de elementos comunes, cotidianos como hojas secas de árboles, artículos para el hogar, alimentos, flores, al tiempo que aportan referencias específicas de cada sitio.
Para siempre y un día desea poder unir esos universos cotidianos y diversos paisajes creando una mirada amplia y circular para donde y desde donde se mira el mundo. R.C.
- Acuarela sobre papel — Instalación
Instagram @renatacruzsolci
Cápsulas de Miguelete
Florencia Silva (AR)
Si en el espacio donde antes funcionaba una celda individual ahora entran nueve habitaciones cápsulas: ¿Cuáles son en verdad las dimensiones y condiciones mínimas de un recinto habitable? ¿Cuál es el límite entre habitabilidad y hacinamiento? ¿La reducción del espacio se compensa con la tecnología ofrecida? ¿Habitar una cápsula puede asemejarse a estar en una celda? ¿Cuáles son los parámetros de confort en ambas realidades?
Quien habita la celda de una cárcel no tiene alternativa a esta situación. Sin embargo, si alguien elige voluntariamente una habitación cápsula quizás entienda que el espacio carcelario sea otro. F.S.
- Instalación, site specific
Instagram @silvaflo
Mano de Obra, reflexiones sobre la maquinaria del trabajo
Laura Nieves (AR) — Leo Nuñez (AR)
El trabajo conjunto desplegado por los artistas Laura Nieves y Leo Nuñez explora la relaciones de trabajo a partir de obras mecánicas y tecnológicas. Dispositivos inspirados en las máquinas simples, el ensamble de aparatosen desuso y el trabajo de re-funcionalización de dispositivos tecnológicos ya desechados, demuestra que no todo lo que se ha descartado está necesariamente perdido, que en lo aparentemente obsoleto subyace un valor que aún es posible recuperar. En estas obras maquínicas también hay un llamado a la labor del cuerpo del trabajador, quien a modo de máquina es constantemente captado por el sistema capitalista, pero que lucha constantemente por no resignarse a ceder sus derechos. L.N. y L.N.
www.launieves.com — www.leonunez.com.ar — www.espacionixso.com.ar
Instagram @launieves @_leo_nunez_ @espacionixso @espacionixsoarte
Impulso al Arte Digital y Electrónico
El programa Impulso al arte digital y electrónico busca contribuir a la incorporación de los medios tecnológicos, digitales y/o electrónicos en las prácticas artísticas de nuestro país. Para ello, El Instituto Nacional de Artes Visuales (INAV) diseñó una convocatoria abierta para la promoción y creación de nuevas obras con un apoyo económico y acompañamiento profesional que culmina con esta exposición colectiva abierta a todo público.
La muestra que presentamos aquí, refleja la sinergia constante entre INAV y EAC y nuestra apuesta a continuar apoyando nuevas generaciones de artistas que trabajan con diversas tecnologías en sus prácticas.
Silvana Bergson — Coordinadora del INAV / Guillermo Sierra — Director del EAC
El arte desarrollado con nuevas tecnologías ha tenido en Uruguay un recorrido marcado por impulsos. Entendiendo éstos como fuerzas que ocurren para imprimir un movimiento, han servido para reconocer el entorno de producción artística en este relativamente reciente campo tan diverso y fértil, y también, paradójicamente, para “detenernos” en la reflexión sobre el estado de las cosas a nivel de producción artística local.
Sea bienvenido este Impulso Digital, a la primera convocatoria oficial y pública con foco en el arte tecnológico, que apuesta a una regularidad totalmente necesaria para que el movimiento se haga continuo.
Palabras del jurado / Daniel Argente — Fabián Barros — Brian Mackern
Exponen:
Leticia Almeida — Tanky (UY) y Mathías Chumino — C03RA (UY)
BIT.R.I.O.L — Es una instalación de realidad aumentada y pieza sonora meditativa inspirada en la tradición alquímica, los ritos iniciáticos y las prácticas de tecnopaganismo. A través del uso de tecnología de vanguardia, la obra propone un espacio liminal esotérico de contemplación, reflexión y trascendencia que ubica al espectador en un viaje iniciático personal. “Cualquier tecnología suficientemente avanzada es indistinguible de la magia” (Clarke, 1962).
Sebastián Bugna (UY)
Oreja Escópica — Es una instalación interactiva en la que dos orejas autómatas nos observan y reaccionan ante la presencia de otros. Se propone un juego sinestésico entre visión y audición, y un corrimiento del robot funcional, humanizado y antropomórfico. La confusión, la depresión y la histeria determinan el comportamiento errático de estos seres mecánicos, así como la obsesión por encontrar rostros y cruzar la mirada con las personas que se les acercan, reproduciendo su imagen. Una exploración sobre la retroalimentación bidireccional entre lo humano y la máquina.
Colectivo ANT / Claudio Burgues (UY), María Castelló (UY), Mikaela Pisani (UY), Marcos Umpiérrez (UY)
BIOFEEDBACK -JAM — Propone una experiencia que genera una interacción singular y secuencial entre “voluntarios”. El objetivo general de esta experiencia es reflexionar sobre dos temas contemporáneos: nuestra relación con la Inteligencia Artificial y sus algoritmos y la producción de subjetividad (individual) puesta en diálogo con otras subjetividades, a través del procesamiento de datos de frecuencias cerebrales. Este dispositivo artístico integra las Artes Visuales y Sonoras con las Neurociencias y la Inteligencia Artificial. De su interacción surge una nueva entidad: -Arte & Neurociencias & Tecnología-, cuyas propiedades emergentes resignifican a cada una de las disciplinas e impactan en la sociedad.
Colectivo GD / Fernando Acosta (UY), Daiana Daguerre (UY), Yoela Martínez (UY), Natalia Pardo (UY), Mariana Rosado (UY)
Neleya — Es una instalación inmersiva que busca explorar nuestro vínculo con el espacio que habitamos, a través de sensores que detectan nuestra interacción con la habitación y le permiten responder de manera visual y sonora, potenciando así el concepto de “habitación viva”. La actual pandemia ha intensificado nuestro relacionamiento con el espacio privado y nos lleva a reflexionar sobre la manera en la que el mismo se habita, se transforma y sobre cómo la percepción que tenemos del espacio cambia en ese habitar acentuado. Una habitación viva es aquel espacio dentro del cual los seres vivos se expresan, se manifiestan e interactúan entre sí. Por esta razón se plantea un entorno con cierto confort, dejando a disposición una serie de objetos que invitan a la interacción y al habitar.
Cooptrol (UY)
Abstracks IV — Es una serie de performances audiovisuales que Cooptrol lleva a cabo desde 2010.
Consisten en visuales abstractas sincronizadas con música electrónica improvisada en vivo utilizando máquinas. Abstracks IV fue desarrollada entre 2020 y 2022, y se presenta aquí como una instalación interactiva que incorpora la participación del público como parte de la manifestación estética de la misma. Abstracks IV toma sonidos y conceptos musicales del disco Decaedrum de 2020, publicado por el sello Tired Beat. Este disco es una celebración personal por los veinte años de actividad artística bajo el nombre de Cooptrol.
Nacho Correa Belino (UY)
Shangrilá — Es una obra visual e interactiva que se inscribe en los géneros: ciencia ficción documental, terror psicológico y realidad virtual. Ficciona un proceso de migración de conciencia, intentando crear una confusión acerca del vivir contemporáneo; plantea una crítica y una posibilidad del proceso de digitalización de nuestras vidas. En el proceso se vinculan imágenes que habitan mi inconsciente, manifestando recuerdos, personas, lugares y tiempos de mi infancia y actualidad, clonándolos digitalmente, recreándolos en un avatar digital de mi propia conciencia:) Una sinécdoque personal.
Ignacio García (UY)
El discurso — La obra 𝘌𝘭 𝘥𝘪𝘴𝘤𝘶𝘳𝘴𝘰 plantea una experiencia a través de la creación de un personaje político, producido por una inteligencia artificial. Busca reflexionar sobre las tecnologías de vanguardia, las formas actuales de hacer política, sus consecuencias y nuestra mirada colectiva hacia el futuro. Esta obra expositiva no busca plantear la discusión acerca de si seremos reemplazados por máquinas o no, sino que coloca al discurso político como otra esfera ya asimilada por algoritmos. La instalación expone a la máquina como una fábrica de generar un discurso creado en base a experiencias políticas ya realizadas. E. Rosso
Magdalena Hart (UK/UY)
Aigua — Es una instalación generativa que parte de una propuesta de diseño especulativo. Retrata un futuro en el que las frecuencias sonoras influyen sobre la memoria de un cuerpo de agua, y por ende reequilibra el ciclo hidrológico. El agua tiene un movimiento perpetuo, impulsado por la energía del sol y la gravedad. Sigue un ciclo que se repite una y otra vez a través de los océanos, la atmósfera, la tierra, y los seres vivos. La vida surgió del agua, es lo que somos y a pesar de cambiar de estado y forma, es siempre la misma en circulación. La obra proyecta en tiempo real un sistema de visualización de data en el que los diversos parámetros del clima de Montevideo son analizados y traducido a matices de color y sonido. Explora las posibilidades sinestésicas de la relación que mantiene el agua entre las frecuencias sonoras y las refracciones lumínicas.
Theic — Camilo Núñez (UY) con la curaduría Ana Gotta (UY)
yo masculino? el conflicto manifiesto. — Se interpela buscando acompañar la desestabilización de supuestos culturalmente sedimentados. Camilo está en conflicto, consigo mismo, con el mundo y finalmente y por qué no, con algunas deidades. Este proyecto, que se configura en un cuerpo rizomático, plantea para este primer encuentro expositivo el conflicto como eje central de atención y grito de supervivencia. Romper, perturbar, exacerbar las ansias de disrupción como parte del desorden cultural, el cual asoma como vitalmente necesario para nuevos/otros espacios vinculares, sociales, de amor y de trabajo. Ana Gotta
Jvy — Juan Vazquez (UY)
GANg — Se podría sintetizar el concepto del proyecto como un cadáver exquisito y un punto de encuentro entre la creatividad de una Inteligencia Artificial — GAN (Red Generativa Adversarial) y la de una persona. El proyecto busca exponer el resultado de un proceso de retroalimentación entre medios plásticos analógicos y digitales.
